Da Modena alla Mille Miglia
Modena, 1957. Enzo Ferrari (Adam Driver), ex pilota e costruttore delle auto più famose al mondo, sta vivendo una crisi personale e professionale. L’azienda che dieci anni prima aveva creato dal nulla è in grave difficoltà e anche il matrimonio con la moglie Laura (Penélope Cruz) sta diventando sempre più tempestoso dopo la morte del loro unico figlio Dino e la scoperta dell’esistenza di Piero, il figlio che Ferrari aveva avuto da una relazione extraconiugale con Lina Lardi (Shailene Woodley). In cerca di riscatto, il “Drake” decide di puntare tutto su una gara di velocità che si disputa in Italia: la leggendaria Mille Miglia.

Sacro e profano
Sacro e profano, amore e morte, sentimenti e ragion di Stato si mescolano continuamente nel film di Michael Mann. Se Gesù fosse nato oggi, a Modena, non sarebbe un falegname ma un metalmeccanico. È questo che, a messa, la domenica dice il prete. Perché tutto, in quegli anni Cinquanta, a Modena, in un’Italia che risorgeva dalla guerra, ruotava attorno a quei motori, a quelle macchine rosso fuoco. E così Michael Mann ci fa assistere, in montaggio alternato, alla messa e alle corse. Mentre Enzo Ferrari e i suoi fanno la comunione, il pilota della Maserati batte il record del giro di pista, e così Enzo Ferrari vuole riprenderselo a tutti i costi. Anche a costo della vita di un pilota.

Due oggetti non possono occupare lo stesso punto nello spazio, nello stesso momento
Amore e morte. Ferrari è soprattutto questo. È un mondo dove si vive per correre, per vincere, dove i piloti sono lasciati in balia di quei bolidi che sono delle bare che vanno a 300 chilometri all’ora, come ci raccontava già Rush di Ron Howard, ambientato vent’anni dopo, ai tempi di Niki Lauda e James Hunt. Il senso della morte è costante nel film di Michael Mann. Nelle storie di quei piloti che corrono consapevoli del loro destino, tanto da lasciare alle amate delle lettere in cui iniziano con “se non dovessi tornare”, come quando si va in guerra. Consapevoli che, a un certo punto della corsa, dovranno scegliere di premere ancora l’acceleratore e non il freno, perché “due oggetti non possono occupare lo stesso punto nello spazio, nello stesso momento”: un oggetto, cioè un’auto, dovrà passare, e dovrà essere la loro, non quella dell’avversario. Ma la morte è anche il rimpianto per la storia dolente di Dino Ferrari, il primo figlio di Enzo e Laura, l’erede prediletto di Enzo, scomparso troppo presto per una malattia incurabile.

Ferrari e le donne
Morte e amore. L’amore è quello per le donne della vita di Enzo Ferrari. La moglie Laura, interpretata da Penélope Cruz che, nella versione originale, parla inglese con un accento spagnolo, e dà vita a quello che gli stranieri immaginano sia la donna italiana, quella che si vedeva nei nostri vecchi film. Laura è moglie e anche socia in affari (detiene il 50% delle azioni della Ferrari), allo stesso tempo complice e avversaria, furibonda ma anche empatica. È una donna che decide, che prende delle scelte, che non aspetta. Che non esita a minacciare il marito con una pistola, ma poi fa l’amore con lui sul tavolo della cucina, come facevano Jack Nicholson e Jessica Lange ne Il postino suona sempre due volte. E poi c’è l’altra donna, Lina, l’amante, una donna tenera e comprensiva, un grande amore di Ferrari nato durante la guerra, interpretata da Shailene Woodley nel suo primo ruolo da adulta, la madre del figlio illegittimo di Enzo, Pietro Ferrari, che verrà riconosciuto e oggi è vicepresidente della Ferrari. E poi, ancora, Linda Christian, la famosa attrice che era stata la compagna di Tyrone Power, e ora è la compagna di Alfonso De Portago, il pilota spagnolo appena entrato in Ferrari. A interpretarla c’è Sarah Gadon, volto pulito e movenze e attitudine da diva d’altri tempi.

Adam Driver è Enzo Ferrari
Al centro della storia c’è lui, Adam Driver, ancora una volta mimetico, scomparso dentro il personaggio di Enzo Ferrari. Il suo volto è duro, roccioso: lo sguardo è glaciale, l’espressione è impassibile. Quella mascella è sempre serrata, quella di chi è sempre in guerra. Adam Driver è invecchiato per la parte, ha i capelli bianchi pettinati all’indietro. A volte indossa degli occhiali neri, che ne rendono il volto ancora più enigmatico, imperturbabile. La sua camminata è sempre veloce, ma caracollante. Ferrari è un uomo che ha cominciato a vedere e sentire la morte intorno a sé. Quella del figlio è qualcosa di impossibile da elaborare. Ma anche quella dei suoi amici, piloti morti dentro le macchine costruite da lui, sono un fardello pesante. E così Enzo ha costruito attorno a sé un muro.

Un film che vive di tempo e di meccanica, di velocità e di precisione
Ferrari è un film che vive di tempo e di meccanica, di velocità e di precisione. È un film scandito dal ticchettio del cronometro. È un film fatto di ingranaggi che si spezzano, pneumatici che si squarciano, metalli divelti e lancinanti e bolidi che prendono fuoco. Le immagini delle corse, eventi leggendari come Le Mans e la Mille Miglia, così lontane dalla Formula 1 e dalla Ferrari che abbiamo conosciuto noi, sono le cose più riuscite del film: tese, vibranti, con la sensazione che le vite di chi è dentro quei bolidi siano appese a un filo, o forse neanche quello. Il materiale, i temi, gli attori per fare un grande film c’erano tutti. E anche il regista, Michael Mann. Peccato che il film proceda costantemente incerto tra la saga familiare e il film di epica sportiva, tra storia privata e grande metafora sul senso della vita e della morte. Il problema è soprattutto nella scrittura, e nella scelta di farlo recitare in un misto tra inglese e italiano (anche se, nelle sale, vedremo soprattutto la versione doppiata). Il film così finisce spesso dalle parti della soap opera, o del melodramma, condito anche dall’onnipresente musica lirica che gli americani cercano sempre quando parlano di Italia. Restano delle grandi sequenze d’azione che fanno venire i brividi e che evocano un mondo di corse che non c’è più, con quella costante presenza della morte che può arrivare da un momento all’altro.

di Maurizio Ermisino

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In ogni caso, ci sono i film indipendenti americani e degli accordi con il sindacato che permetteranno ad alcuni attori di essere presenti a Venezia. È appena arrivata la notizia che riguarda Priscilla, l’atteso film di Sofia Coppola che racconta la vita di Priscilla Presley, la moglie di Elvis. Il SAG-AFTRA, il sindacato degli attori, ha concesso agli attori la possibilità di promuovere il progetto durante lo sciopero. Priscilla ha ottenuto l’approvazione al coinvolgimento degli attori nella promozione grazie al fatto che è stato prodotto in Canada, seguendo le regole previste dal sindacato locale. A Venezia, quindi, potrebbero esserci i due attori protagonisti: Cailee Spaeny, che ha avuto il compito non facile di mettere in scena l’innocenza della giovane Priscilla, e Jacob Elordi, che ha dato il volto a Elvis Presley. A Venezia, in ogni caso, ci saranno la regista Sofia Coppola e Priscilla Presley in persona.

Ma c’è un altro accordo che ci fa sperare ed è quello tra il sindacato e la produzione del film Ferrari di Michael Mann, che dovrebbe permettere al cast del film di essere presente a Venezia per promuovere il film. E, in questo caso, parliamo di un cast che vale oro: non solo Adam Driver e Penelope Cruz, ma anche Hugh Jackman, Patrick Dempsey e Shailene Woodley. Un accordo è stato trovato anche per il film Memory di Michel Franco, coproduzione tra Usa e Messico, che annovera star come Jessica Chastain e Peter Sarsgaard. La speranza, forte, è che possano esserci anche loro.

Non ci saranno problemi invece per le star europee. E così, a presentare il film Le Bête di Bertrand Bonello, ci sarà la bellissima Léa Seydoux (insieme al coprotagonista George McKay), e Fanny Ardant dovrebbe essere presente insieme al cast del film The Palace di Roman Polanski. Tra le star francesi in ascesa attenzione a Lou de Laâge, protagonista del film francese di Woody Allen Coup de chance. Non è una star americana o europea, ma è un numero uno del cinema asiatico, e uno degli attori più affascinanti e amati: Tony Leung Chiu-wai sarà al Lido per ritirare il Leone d’Oro alla Carriera.

E poi ci sono le star di casa nostra. In Comandante, il film d’apertura, il protagonista è Pierfrancesco Favino. E vedremo Alba Rohrwacher per il film di Saverio Costanzo, Finalmente l’alba, e Valentina Bellè per il film di Giorgio Diritti, Lubo. Nel cast del film di Liliana Cavani, L’ordine del tempo, ci sono Alessandro Gassmann, Claudia Gerini, Edoardo Leo e Ksenia Rappoport. Enea di Pietro Castellitto, porterà sul red carpet il regista, e con lui Benedetta Porcaroli, l’attrice protagonista, e il papà Sergio Castellitto, che è nel cast. Felicità, il film d’esordio di Micaela Ramazzotti, porterà sul tappeto rosso la bellissima attrice e ora regista.

di Maurizio Ermisino

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E la prima settimana non poteva chiudersi in modo migliore, con l’arrivo in laguna delle due mitiche star Penelope Cruz ed Elodie.

L’attrice spagnola, che da quando è diventata testimonial ormai veste solo Chanel, ha sfoggiato degli abiti che sembravano essere stati disegnati appositamente per lei. Al photocall, infatti, ha indossato un bellissimo maxi abito dalla silhouette morbida e la gonna ampia, ma con il punto vita ben definito grazie alla cintura nera.

Per il red carpet, invece, largo spazio a pizzo e lustrini con un abito attillatissimo a tema floreale e dal sapore un po’ romantico, un po’ retro. Applausi.

La cantante più popolare del momento, invece, in linea con il suo personaggio, ha scelto di osare, alternando look molto audaci a mise più classiche e romantiche ma con dettagli innovativi. Per l’attivo in Laguna, ad esempio, ha scelto una camicia bianca con balze e dettagli di pizzo estremamente ricercata, mentre per il photocall ufficiale ha scelto un look (interamente firmato Valentino) molto semplice ma elegantissimo: minigonna, camicia bianca passepartout e blazer nero oversize.

Ma è sul red carpet che ha fatto un vero capolavoro fashion, indossando un sensualissimo abito nero scollato sulla schiena e con corpetto rigido a forma di cuore della collezione Haute Couture FW 2022-2023 di Valentino.

Insomma, Elodie e Penelope Cruz sono state senza dubbio le regine indiscusse di questa prima parte del festival.

Photo Credits: @MatteoMignani per DailyMood.it

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E la prima settimana non poteva chiudersi in modo migliore, con l’arrivo in laguna delle due mitiche star Penelope Cruz ed Elodie.

L’attrice spagnola, che da quando è diventata testimonial ormai veste solo Chanel, ha sfoggiato degli abiti che sembravano essere stati disegnati appositamente per lei. Al photocall, infatti, ha indossato un bellissimo maxi abito dalla silhouette morbida e la gonna ampia, ma con il punto vita ben definito grazie alla cintura nera.

Per il red carpet, invece, largo spazio a pizzo e lustrini con un abito attillatissimo a tema floreale e dal sapore un po’ romantico, un po’ retro. Applausi.

La cantante più popolare del momento, invece, in linea con il suo personaggio, ha scelto di osare, alternando look molto audaci a mise più classiche e romantiche ma con dettagli innovativi. Per l’attivo in Laguna, ad esempio, ha scelto una camicia bianca con balze e dettagli di pizzo estremamente ricercata, mentre per il photocall ufficiale ha scelto un look (interamente firmato Valentino) molto semplice ma elegantissimo: minigonna, camicia bianca passepartout e blazer nero oversize.

Ma è sul red carpet che ha fatto un vero capolavoro fashion, indossando un sensualissimo abito nero scollato sulla schiena e con corpetto rigido a forma di cuore della collezione Haute Couture FW 2022-2023 di Valentino.

Insomma, Elodie e Penelope Cruz sono state senza dubbio le regine indiscusse di questa prima parte del festival.

Photo Credits: @MatteoMignani per DailyMood.it

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L’attrice spagnola, già Coppa Volpi lo scorso anno qui al Lido, si candida nuovamente alla vittoria per la sua interpretazione di Clara, madre di famiglia nella Roma anni Settanta che deve affrontare la complicata ricerca d’identità della figlia maggiore. Dentro al corpo della piccola Adriana c’è infatti un bambino che vuole far sentire al mondo la sua vera natura. Un film autobiografico per Crialese, regista di Nuovomondo e Terraferma, che anche questa volta ci regala un intimo ed emozionante racconto familiare.

“Credo che in Clara ci sia la giusta follia per sopravvivere nella vita in cui si ritrova e anche per riuscire a stabilire una relazione con la figlia”, ha dichiarato la Cruz in conferenza stampa. “E’ una donna oppressa che non ne può più, che ogni giorno sente di dover quasi fingere davanti ai figli. Non ha un piano B e l’unica fuga la trova nello schermo televisivo, che la connette al mondo della musica, dell’arte, del sogno”. Così l’attrice la vediamo sullo schermo in momenti onirici, quasi da musical, mettendosi nei panni di icone come Raffaella Carrà e Patty Pravo.

Non è di certo la prima volta che vediamo Penelope Cruz nei panni di una madre coraggiosa. “Con Pedro Almodovar già mi è capitato di interpretare ruoli come questo e non credo che sia una coincidenza, perché possiedo un forte senso materno spiccato e sono affascinata dalle dinamiche familiari”. Il personaggio di Clara sicuramente gli ha offerto la possibilità di esplorare altri aspetti della maternità: “E’ sempre un onore dare voce e corpo ad una mamma e Clara ne rappresenta tanti tipi diversi. E’ un personaggio ricco di sfumature diverse, complesso, quando ho letto la sceneggiatura mi sono immediatamente innamorata di lei e ho cercato di fare del mio meglio nell’interpretazione”.

Se la Cruz con la sua performance per l’ennesima volta ha emozionato tutti, l’esordiente Elodie è una vera e propria sorpresa. In Ti mangio il cuore, girato in bianco e nero e ambientato in una Puglia quasi “da far west”, l’artista interpreta Marilena, moglie di un boss della malavita garganica, che si innamora del figlio di una famiglia rivale, riaccendendo così un’antica faida. “Quando ho letto lo script ho empatizzato subito con Marilena, una donna forte, coraggiosa, forte, che però è anche vittima del potere. Una madre desiderosa di libertà e di amore. Un personaggio che ho trovato irresistibile per i tanti tratti che la caratterizzano”, ha dichiarato la cantante. Sulla sua prima esperienza attoriale è stata poi molto chiara e le sue parole lasciano chiaramente pensare ad una futura carriera cinematografica, parallela a quella musicale: “Recitare, rispetto a cantare, mi ha fatto toccare vibrazioni più profonde. È stato un po’ come andare in analisi. Lo rifarei assolutamente, perché per me è stata una sorta di terapia“.

Venendo infine a Sadie Sink, The Whale, presentato in concorso, è stata l’occasione per dimostrare a tutti il suo talento cristallino al di fuori di Stranger Things. Il film è un commovente “dramma da camera”, dall’impostazione puramente teatrale (è infatti tratto dalla pièce di Samuel D. Hunter) che racconta di Charlie, professore affetto da una gravissima forma di obesità che prova a ritrovare il rapporto con la figlia. Si tratta forse del titolo che i cinefili attendevano di più tra quelli di questa edizione. Un po’ per il ritorno dietro la macchina da presa di Darren Aronofsky, un po’ per la performance inedita di Brendan Fraser nei panni del protagonista. Qui al Lido si parla già di nomination agli Oscar per lui, ma è giusto aspettarsela anche per Sink: intensa, toccante, profonda. Una prova notevole.

Photo Credits: @MatteoMignani per DailyMood.it

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L’attrice spagnola, già Coppa Volpi lo scorso anno qui al Lido, si candida nuovamente alla vittoria per la sua interpretazione di Clara, madre di famiglia nella Roma anni Settanta che deve affrontare la complicata ricerca d’identità della figlia maggiore. Dentro al corpo della piccola Adriana c’è infatti un bambino che vuole far sentire al mondo la sua vera natura. Un film autobiografico per Crialese, regista di Nuovomondo e Terraferma, che anche questa volta ci regala un intimo ed emozionante racconto familiare.

“Credo che in Clara ci sia la giusta follia per sopravvivere nella vita in cui si ritrova e anche per riuscire a stabilire una relazione con la figlia”, ha dichiarato la Cruz in conferenza stampa. “E’ una donna oppressa che non ne può più, che ogni giorno sente di dover quasi fingere davanti ai figli. Non ha un piano B e l’unica fuga la trova nello schermo televisivo, che la connette al mondo della musica, dell’arte, del sogno”. Così l’attrice la vediamo sullo schermo in momenti onirici, quasi da musical, mettendosi nei panni di icone come Raffaella Carrà e Patty Pravo.

Non è di certo la prima volta che vediamo Penelope Cruz nei panni di una madre coraggiosa. “Con Pedro Almodovar già mi è capitato di interpretare ruoli come questo e non credo che sia una coincidenza, perché possiedo un forte senso materno spiccato e sono affascinata dalle dinamiche familiari”. Il personaggio di Clara sicuramente gli ha offerto la possibilità di esplorare altri aspetti della maternità: “E’ sempre un onore dare voce e corpo ad una mamma e Clara ne rappresenta tanti tipi diversi. E’ un personaggio ricco di sfumature diverse, complesso, quando ho letto la sceneggiatura mi sono immediatamente innamorata di lei e ho cercato di fare del mio meglio nell’interpretazione”.

Se la Cruz con la sua performance per l’ennesima volta ha emozionato tutti, l’esordiente Elodie è una vera e propria sorpresa. In Ti mangio il cuore, girato in bianco e nero e ambientato in una Puglia quasi “da far west”, l’artista interpreta Marilena, moglie di un boss della malavita garganica, che si innamora del figlio di una famiglia rivale, riaccendendo così un’antica faida. “Quando ho letto lo script ho empatizzato subito con Marilena, una donna forte, coraggiosa, forte, che però è anche vittima del potere. Una madre desiderosa di libertà e di amore. Un personaggio che ho trovato irresistibile per i tanti tratti che la caratterizzano”, ha dichiarato la cantante. Sulla sua prima esperienza attoriale è stata poi molto chiara e le sue parole lasciano chiaramente pensare ad una futura carriera cinematografica, parallela a quella musicale: “Recitare, rispetto a cantare, mi ha fatto toccare vibrazioni più profonde. È stato un po’ come andare in analisi. Lo rifarei assolutamente, perché per me è stata una sorta di terapia“.

Venendo infine a Sadie Sink, The Whale, presentato in concorso, è stata l’occasione per dimostrare a tutti il suo talento cristallino al di fuori di Stranger Things. Il film è un commovente “dramma da camera”, dall’impostazione puramente teatrale (è infatti tratto dalla pièce di Samuel D. Hunter) che racconta di Charlie, professore affetto da una gravissima forma di obesità che prova a ritrovare il rapporto con la figlia. Si tratta forse del titolo che i cinefili attendevano di più tra quelli di questa edizione. Un po’ per il ritorno dietro la macchina da presa di Darren Aronofsky, un po’ per la performance inedita di Brendan Fraser nei panni del protagonista. Qui al Lido si parla già di nomination agli Oscar per lui, ma è giusto aspettarsela anche per Sink: intensa, toccante, profonda. Una prova notevole.

Photo Credits: @MatteoMignani per DailyMood.it

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Per voi i bellissimi scatti di DailyMood.it

Photo Credits: ©matteomignani per DailyMood.it

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Che cosa può fare un uomo ricchissimo, di successo, che ha avuto tutto nella vita, per essere ricordato? Creare qualcosa non per sé ma per la collettività, qualcosa che rimanga, per cui venire ricordato. Come un ponte, fatto disegnare a un grande architetto e donato alla collettività. O come un film, un grande film, diretto da una grande regista, che possa essere presentato a un festival e che possa entrare nella Storia del cinema. Così Humberto Suárez acquista (a peso d’oro) i diritti di un famoso romanzo, e ingaggia Lola Cuevas (Penélope Cruz), una regista la cui opera prima ha fatto gridare al miracolo, la seconda ha deluso, e la terza è stata considerata il suo capolavoro. Sarà lei a scrivere la sceneggiatura (molto liberamente tratta dal libro), e a scegliere gli attori che secondo lei sono i migliori. Funzioneranno perché sono agli antipodi. Ivàn (Oscar Martínez) è un antidivo per eccellenza, un attore teatrale e un insegnante di recitazione: un personaggio rigoroso, che vive per l’arte e rifugge ogni divismo. L’altro è Félix (Antonio Banderas) divo a tutti gli effetti, vincitore di svariati premi e famoso in tutto il mondo. Il primo è uno di quelli che piace ai colleghi. L’altro, ovviamente, è uno di quelli che piace al pubblico. I due caratteri si palesano fin dalla prima lettura del copione. Ivàn si crea la backstory del personaggio, ne spiega aspetti e caratteristiche, ci dice chi è. Félix dice che si limiterà a leggere le battute del copione e a recitarle nel miglior modo possibile. Sipario.

Si chiama Finale a sorpresa, nell’edizione italiana, il film, e la cosa ha un suo senso, perché di finali a sorpresa ne ha almeno due, e ci vuole dire che, nel mondo del cinema, le sorprese non mancano mai. Ma fate attenzione al titolo internazionale, Official Competition. Perché fa riferimento a una dicitura precisa, quella che denota i film d’autore che vengono presentati “in concorso”, nella “selezione ufficiale”, nei festival internazionali. Ma la “competizione” di cui parla il film è quella che avviene tra i due attori. Che si dimostrano entrambi vanagloriosi, infantili, gelosi e invidiosi. Tra loro si scatena una vera gara, fatta di dispetti reciproci e di prove di recitazione. I due cominciano a recitare anche quando non sono in scena, con due obiettivi. Il primo è quello di mettere in difficoltà l’altro e prendersi gioco di lui. Il secondo, e più importante, è quello di dimostrare di essere il più bravo. Perché, alla fine, se la recita viene presa per realtà vuol dire che l’attore ci sa fare. Persona e personaggio, in questo film, si fondono e confondono continuamente, dando vita a uno spettacolo degno di Luigi Pirandello. Così è (se vi pare) il cinema.

In mezzo ai due galli nel pollaio di erge la regista, la deus ex machina Lola Cuevas, alias Penelope Cruz. Un’artista umorale, creativa, decisa. Che in parte subisce i due attori, certo, ma a sua volte li schernisce, li prende in giro. Ha capito che manca tensione e allora li fa recitare con un masso di cinque tonnellate sospeso sulle loro teste. O capisce che quello dei due attori è un problema di ego, e allora ha l’idea di prendere i loro premi, e anche i suoi (cose tipo il Golden Globe o la Palma d’Oro), e distruggerli in un tritatutto. È bello vedere una storia in cui una donna è pienamente padrona della situazione, lucida, consapevole, padrona del suo destino. Colta e ironica, Lola Cuevas è in grado di decidere, di avere il controllo della sua arte. E di tenere, in fondo, sotto controllo due uomini che sono come bambini, vanesi e capricciosi. Lola Cuevas è una Penelope Cruz eccezionale.

Finale a sorpresa è una commedia, una satira lucida, sottile e velenosa sul mondo del cinema, sulla fauna che lo anima, sui vezzi degli artisti o pseudo artisti. Si fa beffe non solo di certe dinamiche produttive, ma anche delle dinamiche del divismo, e di quel sistema dei premi che, vuole dirci il film, è lontano anni luce dall’arte vera (sentite che cosa dicono a proposito degli Oscar). Ma Finale a sorpresa è anche – e soprattutto – un film d’autore, ed è girato proprio come un film di questo tipo. C’è un’attenzione all’inquadratura, alle scenografie, al montaggio, che non è quella tipica della commedia, ma quella di opere più complesse. Da un lato questa scelta serve a proiettarci nel mondo che racconta, quella di un certo cinema “alto”, o che si crede e autodefinisce tale. Dall’altra è una scelta che ci sembra naturale, perché aggiunge a uno script già di per sé molto raffinato ulteriore classe.

In particolare ci piace il lavoro sulle scenografie. Gli artisti si muovono in ambienti enormi, freddi, spogli, e in quel rapporto tra l’uomo e l’ambiente che lo circonda sembra di leggere la piccolezza dell’individuo di fronte al mondo, anche se il suo ego lo fa sentire enorme. Ma in ogni scena c’è una sorpresa. Guardate la scena del provino del bacio, con decine di microfoni e il volume altissimo per coglierne non solo il movimento, ma anche il suono. Guardate la confessione di Félix, con lo schermo dietro a lui che ne amplifica le espressioni. E potremmo andare avanti all’infinito. Finale a sorpresa dipinge con immagini raffinatissime una serie di riflessioni sul cinema che, a film concluso, ci resteranno dentro. “Quando finisce un film? Quando appare la parola fine? Quando usciamo dal cinema e ne parliamo? Dopo un’ora o dopo un anno? Ogni volta che ci pensiamo? Ci sono film che finiscono con i titoli di coda. Ma ci sono film che non finiscono mai”. Finale a sorpresa è uno di questi.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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Che cosa può fare un uomo ricchissimo, di successo, che ha avuto tutto nella vita, per essere ricordato? Creare qualcosa non per sé ma per la collettività, qualcosa che rimanga, per cui venire ricordato. Come un ponte, fatto disegnare a un grande architetto e donato alla collettività. O come un film, un grande film, diretto da una grande regista, che possa essere presentato a un festival e che possa entrare nella Storia del cinema. Così Humberto Suárez acquista (a peso d’oro) i diritti di un famoso romanzo, e ingaggia Lola Cuevas (Penélope Cruz), una regista la cui opera prima ha fatto gridare al miracolo, la seconda ha deluso, e la terza è stata considerata il suo capolavoro. Sarà lei a scrivere la sceneggiatura (molto liberamente tratta dal libro), e a scegliere gli attori che secondo lei sono i migliori. Funzioneranno perché sono agli antipodi. Ivàn (Oscar Martínez) è un antidivo per eccellenza, un attore teatrale e un insegnante di recitazione: un personaggio rigoroso, che vive per l’arte e rifugge ogni divismo. L’altro è Félix (Antonio Banderas) divo a tutti gli effetti, vincitore di svariati premi e famoso in tutto il mondo. Il primo è uno di quelli che piace ai colleghi. L’altro, ovviamente, è uno di quelli che piace al pubblico. I due caratteri si palesano fin dalla prima lettura del copione. Ivàn si crea la backstory del personaggio, ne spiega aspetti e caratteristiche, ci dice chi è. Félix dice che si limiterà a leggere le battute del copione e a recitarle nel miglior modo possibile. Sipario.

Si chiama Finale a sorpresa, nell’edizione italiana, il film, e la cosa ha un suo senso, perché di finali a sorpresa ne ha almeno due, e ci vuole dire che, nel mondo del cinema, le sorprese non mancano mai. Ma fate attenzione al titolo internazionale, Official Competition. Perché fa riferimento a una dicitura precisa, quella che denota i film d’autore che vengono presentati “in concorso”, nella “selezione ufficiale”, nei festival internazionali. Ma la “competizione” di cui parla il film è quella che avviene tra i due attori. Che si dimostrano entrambi vanagloriosi, infantili, gelosi e invidiosi. Tra loro si scatena una vera gara, fatta di dispetti reciproci e di prove di recitazione. I due cominciano a recitare anche quando non sono in scena, con due obiettivi. Il primo è quello di mettere in difficoltà l’altro e prendersi gioco di lui. Il secondo, e più importante, è quello di dimostrare di essere il più bravo. Perché, alla fine, se la recita viene presa per realtà vuol dire che l’attore ci sa fare. Persona e personaggio, in questo film, si fondono e confondono continuamente, dando vita a uno spettacolo degno di Luigi Pirandello. Così è (se vi pare) il cinema.

In mezzo ai due galli nel pollaio di erge la regista, la deus ex machina Lola Cuevas, alias Penelope Cruz. Un’artista umorale, creativa, decisa. Che in parte subisce i due attori, certo, ma a sua volte li schernisce, li prende in giro. Ha capito che manca tensione e allora li fa recitare con un masso di cinque tonnellate sospeso sulle loro teste. O capisce che quello dei due attori è un problema di ego, e allora ha l’idea di prendere i loro premi, e anche i suoi (cose tipo il Golden Globe o la Palma d’Oro), e distruggerli in un tritatutto. È bello vedere una storia in cui una donna è pienamente padrona della situazione, lucida, consapevole, padrona del suo destino. Colta e ironica, Lola Cuevas è in grado di decidere, di avere il controllo della sua arte. E di tenere, in fondo, sotto controllo due uomini che sono come bambini, vanesi e capricciosi. Lola Cuevas è una Penelope Cruz eccezionale.

Finale a sorpresa è una commedia, una satira lucida, sottile e velenosa sul mondo del cinema, sulla fauna che lo anima, sui vezzi degli artisti o pseudo artisti. Si fa beffe non solo di certe dinamiche produttive, ma anche delle dinamiche del divismo, e di quel sistema dei premi che, vuole dirci il film, è lontano anni luce dall’arte vera (sentite che cosa dicono a proposito degli Oscar). Ma Finale a sorpresa è anche – e soprattutto – un film d’autore, ed è girato proprio come un film di questo tipo. C’è un’attenzione all’inquadratura, alle scenografie, al montaggio, che non è quella tipica della commedia, ma quella di opere più complesse. Da un lato questa scelta serve a proiettarci nel mondo che racconta, quella di un certo cinema “alto”, o che si crede e autodefinisce tale. Dall’altra è una scelta che ci sembra naturale, perché aggiunge a uno script già di per sé molto raffinato ulteriore classe.

In particolare ci piace il lavoro sulle scenografie. Gli artisti si muovono in ambienti enormi, freddi, spogli, e in quel rapporto tra l’uomo e l’ambiente che lo circonda sembra di leggere la piccolezza dell’individuo di fronte al mondo, anche se il suo ego lo fa sentire enorme. Ma in ogni scena c’è una sorpresa. Guardate la scena del provino del bacio, con decine di microfoni e il volume altissimo per coglierne non solo il movimento, ma anche il suono. Guardate la confessione di Félix, con lo schermo dietro a lui che ne amplifica le espressioni. E potremmo andare avanti all’infinito. Finale a sorpresa dipinge con immagini raffinatissime una serie di riflessioni sul cinema che, a film concluso, ci resteranno dentro. “Quando finisce un film? Quando appare la parola fine? Quando usciamo dal cinema e ne parliamo? Dopo un’ora o dopo un anno? Ogni volta che ci pensiamo? Ci sono film che finiscono con i titoli di coda. Ma ci sono film che non finiscono mai”. Finale a sorpresa è uno di questi.

di Maurizio Ermisino per DailyMood.it

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