Officine UBU è lieta di portare nelle sale italiane da giovedì 1 febbraio Una bugia per due, il film diretto da Rudy Milstein con Vincent Dedienne, Clémence Poésy e Géraldine Nakache.
Una commedia intelligente, sottile e delicata che racconta una storia fondata sull’apparenza, di come principi e valori vengano spesso messi da parte al fine di sedurre, di essere accettati dalla società, di compiacere. Protagonista dell’originale opera prima di Milstein è Louis, intepretato da Vincent Dedienne, il classico bravo ragazzo ‘costretto’ dalle circostanze a interpretare il ruolo di bugiardo. A far da contorno, tutta una serie di personaggi ben delineati e con tratti grotteschi, tra cui Elsa, la spregiudicata avvocatessa – Clémence Poésy – l’incorruttibile Hélène – Géraldine Nakache-, i genitori di Louis e Bruno, lo strampalato e commovente vicino di casa, interpretato dallo stesso regista, nel doppio ruolo di autore e attore.
SINOSSI
Louis è gentile. È così gentile che passa spesso inosservato. I colleghi e i genitori non ne hanno una grande considerazione, e non può nemmeno contare sull’appoggio degli amici… che non ha.
Il giorno in cui scopre di avere una grave malattia, quelli intorno a lui sembrano notare la sua esistenza per la prima volta, e per Louis le opportunità personali e professionali improvvisamente abbondano. Quando lo studio legale presso cui lavora gli chiede di difendere una multinazionale da uno scandalo, questa diventa l’occasione per Louis di farsi finalmente notare. Tutto però ha un prezzo, e Louis sarà costretto a ricorrere a una bugia per ritagliarsi un posto agli occhi degli altri e poter compiere qualcosa di grande.
INTERVISTA A RUDY MILSTEIN
Regista
Raccontaci come nasce il film.
Volevo scrivere una storia sull’apparenza, di come a volte mettiamo da parte i nostri principi per sedurre, per essere accettati dalla società, per progredire socialmente, per compiacere i nostri genitori. Fino a che punto siamo capaci di mettere da parte le nostre convinzioni, la nostra morale e dimenticare i principi per raggiungere il nostro obiettivo? Il personaggio di Louis, interpretato da Vincent Dedienne, interpreta un giovane avvocato coinvolto nel tornado di un caso di pesticidi, presumibilmente responsabili del cancro. È un ragazzo simpatico, ingenuo e gentile. Eppure durante tutto il film fa cose immorali. E lo accettiamo perché, appunto, è un bravo ragazzo. Le buone intenzioni perdonano tutto? Con il pretesto di intenzioni lodevoli, possiamo a volte permetterci di agire male? O al contrario, sono le azioni a definire chi siamo? Ecco, sono un po’ tutte queste le domande che mi hanno animato durante la stesura della sceneggiatura. Volevo che non ci fossero buoni o cattivi. Ad esempio, il personaggio di Hélène (Géraldine Nakache), portavoce dell’associazione dei malati di cancro, sembra a priori detestabile – è volgare, scortese, aggressiva – ma è anche altruista, pensa prima agli altri, difende la vedova e l’orfano. Ma pensa davvero ai malati quando li difende? Louis non ha forse ragione a dirle che è nel loro interesse prendere i soldi adesso piuttosto che lottare per anni per una causa persa? In breve, volevo che i problemi di tutti fossero più complessi di “lui è gentile, lei è cattiva” ecc. Da qui il titolo originale (che non è un riferimento a Balavoine…): sono l’eroe del film, ma “non sono un eroe”!
Una bugia per due è una commedia il cui filo conduttore è il cancro; un argomento serio sul quale riesci a farci ridere e commuovere…
Ho perso mia nonna a causa di questa malattia, l’ho accompagnata negli ultimi anni della sua vita, ho vissuto con lei, ho visto questa quotidianità. Morì anche un amico, giovanissimo: un ragazzo molto bello, solare, che amava organizzare feste, si chiamava Julien. Questo tema è entrato naturalmente nella sceneggiatura. È motore che muove la storia per affrontare il mio problema con l’apparenza: Louis è pronto a fingere di essere un malato di cancro per compiacere gli altri. Tuttavia non è mai stata una questione di pathos: ho voluto mantenere un tono vivace, gioioso e brillante.
Durante la mia infanzia, ho sentito i miei nonni, che hanno vissuto l’Olocausto, scherzare regolarmente sull’Olocausto. E poi mio padre, un giovanissimo medico durante gli anni dell’AIDS. Sono cresciuto in questa atmosfera in cui più gli eventi sono drammatici, più ci spingono a riderci sopra. Di fronte a una certa disperazione, non resta che l’umorismo.
Ti divertono l’ipocondria dell’eroe, la brutalità del medico (Guillaume Pellegrin) che lo visita, l’opportunismo dei dirigenti dell’ufficio in cui lavora… Potresti essere accusato di cinismo?
Non è perché se persone così esistono davvero e ne parlo, significa che anche io sia così!! In verità, penso che tutti dobbiamo darci da fare per garantire la nostra sopravvivenza, su diversi livelli. Ecco di cosa è fatta la natura umana. Ad esempio, la scena del dottore non l’ho inventata io: qualche anno fa, come Louis nel film, ho fatto una visita per un nodulo che trovavo preoccupante, e il dottore mi ha quasi dettato parola per parola la scena del film! Non ho inventato quasi nulla, dovevo solo copiarlo! Quindi, all’epoca, mentre aspettavo i risultati nel suo ufficio, non mi fece davvero ridere, ma con il senno di poi, è stato molto divertente. Sento spesso storie come questa, quindi immagino di non essere l’unico.
E capisco questa desensibilizzazione. Come fa il medico a tenere alto il morale a fine giornata dopo aver annunciato dodici tumori a merenda? Posso capire che, come misura protettiva, potrebbe diventare cinico.
Mio fratello era avvocato, ecco perché ho voglia di scrivere su questa professione che solleva tante domande affascinanti: come facciamo a difendere le persone cattive senza che ciò ci crei problemi di coscienza?
Ti affidi molto alla realtà?
Certo. La realtà è un materiale meraviglioso. Tanto triste quanto divertente. Le contraddizioni della natura umana sono affascinanti. E non faccio il giudice, non so se anch’io sono una brava persona. Come tutti, cerco di esserlo, ma è complicato. Tutti i personaggi del film prendono spunto dalle domande che pongo a me stesso e alle persone che conosco, ma cerco di discostarmi il più possibile per evitare che mi denuncino per diffamazione!
Con questa vicenda dei pesticidi, anche l’ecologia sta subendo un duro colpo, proprio come questi bohémien greenwasher che si lamentano della plastica negli imballaggi della frutta…
Ma in realtà sto ridendo di me stesso! Vorrei fare tanto di più per l’ecologia, per il pianeta, e poi per tante altre cose, ma non so da dove cominciare! Quindi non faccio nulla. O poco. Oppure un giorno arriverò a essere così offuscato e farà qualcosa per ripulirmi la coscienza. Prendo in giro questo impegno sociale, che si ricollega alla questione iniziale dell’apparenza: firmare petizioni su Facebook ma fare il bagno ogni sera, è davvero coerente?
In mezzo a tutto questo, Louis naviga con il suo candore… ma molto presto viene messo alla prova. Il suo tallone d’Achille sono i suoi genitori (Isabelle Nanty e Sam Karmann).
Questo è il problema di questo personaggio: ha sempre fatto di tutto per accontentarli. All’inizio presentiamo un personaggio che vuole più responsabilità nel suo ufficio, ma lo vuole davvero? O è solo per essere più socialmente accettabile? Il problema legato ai genitori mi permette di aprire un’altra strada sul tema dell’apparenza.
Isabelle Nanty e Sam Karmann, che li interpretano, sono grandi attori che ammiro e adoro.
Sono una coppia molto divertente, soprattutto la madre, che descrive la nascita di suo figlio come una disgrazia.
Vede sua madre infelice, quindi non la incolpa per tutte le cattiverie che gli sbatte in faccia. Mette gli interessi di sua madre, degli altri, prima dei propri, è ancora un bambino. E per tutto il film avrà la sua crisi adolescenziale: fa cose stupide, ferisce i suoi genitori, rimette sé stesso al centro della sua vita per, alla fine, affermare chi è, le sue opinioni, e diventare finalmente adulto. Forse ho scritto questo film perché non ho mai avuto crisi adolescenziali! Ci ho appena pensato. Ne parlerò con il mio terapista nella prossima seduta.
Ciò che salva Louis è l’incontro con le persone con il cancro – tra cui Julien (Rabah Nait Oufella) – e Hélène.
Alla fine si farà delle domande. Esce dal suo ambiente sociale, dalla sua zona di comfort, si confronta con altri pensieri, altre concezioni della società, del mondo, altri modi di vivere. È l’alterità che ci salverà!!
Si avverte sul film l’influenza comica, benevola e cinica di Woody Allen.
Penso che sia perché anche lui è ebreo!
È un regista che significa molto per me. Usare l’umorismo per parlare di questioni esistenziali è una cosa che già faceva mia nonna! Mi piace, lo sento vicino.
Cos’altro ti ha influenzato nella realizzazione del film?
Molte commedie americane – come i film di Judd Apatow. Il cinema di Agnès Jaoui, di Julie Delpy, anche quello di Michel Leclerc e di Baya Kasmi. Tutti gli uomini di Victoria, di Justine Triet. Mi piacciono molto anche le commedie inglesi come Quattro matrimoni e un funerale, di Mike Newell. Anche le prime stagioni de I Simpson! Essere o non essere di Ernst Lubitsch rimane per me la commedia perfetta, siamo costantemente sballottati tra situazioni comiche pure e veri e propri momenti di tensione drammatica. Crediamo in tutto, capiamo tutto, è tragico e ridiamo..
Vieni dal teatro. Cosa ti ha spinto verso la regia?
Ho sempre desiderato fare film. Ho sempre amato scrivere e raccontare storie. Tuttavia, il teatro rappresenta da tempo la via più breve e immediata per realizzare questi sogni. Questo è ciò che è magico nel teatro, abbiamo un rapporto così forte e immediato con il pubblico. Sono entrato nella troupe di Pierre Palmade: scrivevamo durante la settimana e rappresentavamo la nostra produzione il fine settimana successivo. Il lato istantaneo del teatro mi ha permesso di sperimentare tante cose diverse senza che la voglia di andare al cinema mi abbandonasse.
Tuttavia, non pensavo che avrei diretto questo film da solo; mi bastava scrivere la sceneggiatura. Ho cercato a lungo un regista che andasse nella mia stessa direzione e non l’ho trovato. Sapevo esattamente cosa volevo, quindi ho deciso di fare il grande passo.
A parte la tua passione per il cinema, non avevi alcuna esperienza in questo campo…
Nessuna. Mi sono esercitato girando cortometraggi che consideravo una sorta di laboratorio preparatorio: prendere la macchina da presa, testare assi, obiettivi, modi di raccontare certe cose, per vedere la differenza tra proiezioni mentali, carta e immagine. Ho scritto e, il giorno dopo, sono partito per dirigere.
La scrittura della sceneggiatura, che a volte sfiora l’assurdo pur regalando alcuni momenti molto commoventi e altri cinici, è molto originale. Il tuo lavoro in teatro ti ha sicuramente aiutato…
Mi è stato utile, anche se far ridere al cinema è molto diverso che far ridere a teatro.
Si tratta di due concezioni della scrittura molto diverse: in teatro ci sono soprattutto parole. Nel cinema, a volte, ci possono essere anche le parole. Sono stato molto preciso nello scrivere i dialoghi. Li ho scritti e riscritti a lungo, finché non ho raggiunto quello che mi sembrava il ritmo giusto. Ma le immagini e gli sguardi possono sostituire una linea di dialogo, è uno strumento che non necessariamente abbiamo nel teatro.
Il teatro nasce sotto costrizione, non possiamo mostrare molto quindi dobbiamo suggerire tutto. Nel cinema è il contrario. Ma quando hai un budget limitato, devi capire come raccontare quello che vuoi raccontare con meno soldi. Venendo dal teatro, non mi ha spaventato affatto, non mi sono sentito affatto costretto. Al contrario, è stato emozionante!
Il film è quindi molto scritto, lavorato, ma era fondamentale che lo spettatore non notasse questa costruzione, che dimenticasse la sensazione di vedere un film di finzione e che si sentisse di essere allo stesso livello della vita reale e della spontaneità che ne scaturisce. Perché l’umorismo potesse essere trasmesso, i miei personaggi dovevano essere reali: questo è, per me, l’unico modo per stabilire un processo di identificazione per trasmettere l’umorismo. Mi sono anche divertito a far improvvisare gli, in modo che rimanessero costantemente nel momento. E anche se alla fine di queste improvvisazioni ne ho tenute pochissime, sono state molto utili.
Hai citato i tuoi cortometraggi come prove: tutti gli attori hanno partecipato ai tuoi cortometraggi?
Alcuni sì, attori meravigliosi che ho conosciuto a teatro e che amo. Mi piace lo spirito di squadra. Lavoro con Johann Dionnet (Bastien) da oltre dieci anni! Ho anche lavorato più volte con Sébastien Castro (l’avvocato dei malati) che è un puro genio della comicità. Ammiro anche la follia di Guilhem Pellegrin che interpreta il dottore, ho scritto questo ruolo pensando a lui. E mi sono innamorato di Anna Cervinka (della Comédie Française) che trovo assolutamente meravigliosa! Ho deciso di fare il casting da solo.
Raccontaci della scelta di Vincent Dedienne di interpretare il personaggio di Louis.
Con Vincent ci siamo visti per anni a teatro senza mai conoscerci. L’ho visto recitare molto spesso e, ogni volta, l’ho trovato geniale. Adoro la sua fantasia, la sua poesia, la sua follia, il suo fascino. È una persona molto divertente nella vita ma che ha anche una certa malinconia infantile negli occhi, è un ingenuo… ed è molto amabile. Era perfetto per il ruolo. Tutto il suo corpo incarna il personaggio. Mi ha seguito ovunque, con generosità, accuratezza e precisione. Abbiamo costruito questo personaggio insieme, ho adorato questa collaborazione. È una vera rarità che un primo film sia riuscito a creare questa connessione.
Geraldine Nakache? Clémence Poésy?
Dalla sceneggiatura qualcuno aveva paura del ruolo di Hélène. La gente mi diceva: “È volgare, noiosa; la odiamo. E ho cercato di convincere i miei interlocutori del contrario, mostrando loro la fragilità del personaggio e la sua insicurezza che emerge solo tra le righe e gli sguardi. Non dirà mai di essere destabilizzata. Eppure molto spesso lo è. Avevamo bisogno di un’attrice che potesse incarnare queste fragilità. Géraldine mi fa ridere molto, ma è tante altre cose. È ipersensibile e ha negli occhi un’insicurezza che avevo visto in Et ta soeur?, di Marion Vernoux. Quando le ho offerto il ruolo, non ha esitato. È un’attrice meravigliosa, generosa, intelligente e ricca di tante cose. È aperta a esplorare tutte le strade, non solo si lascia portare ovunque ma offre anche molto. Mi è piaciuto lavorare con lei.
Clémence è riuscita a portare qualcosa di premuroso, gentile, tenero e umano al personaggio di Elsa. Mi piace la sua voce. E il suo modo di recitare: ha una precisione incredibile, può fare tutto! Ha una padronanza delle sfumature e dei dialoghi. Avrei potuto montare tutte le sue scene, ha sempre perfetta, totalmente nella parte! Non siamo abituati a vederla nelle commedie ma è molto divertente! Padroneggia questo ritmo istintivamente!
Tu stesso interpreti un ruolo importante nel film: quello di Bruno, il vicino di casa di Louis. Vittima di un ictus, divenne incapace di provare la minima emozione.
Il ruolo mi ha divertito. Inoltre era così speciale che ho pensato che avrei risparmiato tempo non dovendo spiegare chi fosse. Bruno è così atipico: con una sola sfumatura potrebbe diventare antipatico, psicopatico o semplicemente stupido. Sapevo come inserirlo nel film. Abbiamo girato tutte le mie sequenze alla fine delle riprese. Dirigere e recitare allo stesso tempo è un’esperienza speciale perché le due professioni richiedono competenze contraddittorie: per dirigere devi avere il controllo di tutto, per recitare devi lasciarti andare. Uno dei miei migliori amici, Arthur Fenwick (che recita nel film) si assicurava che non invadessi le scene. Devo ringraziare lui!
È un uomo che non sa sorridere e che dice sempre quello che pensa.
Non gli importa del suo aspetto, di quello che pensano gli altri, non cerca di sedurre nessuno poiché non prova più alcuna emozione. Quindi non fa alcuno sforzo. Fa a Louis questa domanda: non è perché provi emozioni che sei più felice di me! Cosa fai con le tue emozioni? A cosa servono? A fare del bene oppure no?
Come hai preparato i tuoi attori alle riprese?
Abbiamo fatto delle letture individuali. Ho dato loro molte indicazioni sui sotto testi. E poi, sul set ci siamo dimenticati di tutto questo, ho fatto in modo di creare un’atmosfera di leggerezza, divertimento e libertà. La commedia non può nascere nella tensione. Abbiamo bisogno di attori rilassati e fiduciosi in modo che possano divertirsi e creare. Se un attore si sente giudicato o non sicuro di sé, è rovinato!
Hai detto che li hai fatti improvvisare molto.
A volte andavo dagli attori per chiedergli di cambiare i dialoghi apposta per sconcertare i loro partner. Ciò ha creato reazioni di insicurezza su cui ho giocato. Quindi aspettavano costantemente l’improvvisazione e io ho ottenuto quello che volevo: erano presenti al cento per cento in quel momento, ascoltavano, pronti a reagire a qualsiasi cosa.
Come hai lavorato con Thomas Rames, il direttore della fotografia?
Abbiamo la stessa età, abbiamo riferimenti comuni. Thomas aveva lavorato su “Cobayes”, di Emmanuel Poulain-Arnaud, un mio amico. Mi è piaciuta l’immagine che ha creato in questo film. Ci siamo incontrati in questa occasione e siamo andati d’accordo. Abbiamo parlato molto di quale sarebbe stato il DNA di Una bugia per due e volevamo le stesse cose. Abbiamo lavorato molto a monte. Ogni sequenza ha il suo ritmo, ma perché il ritmo complessivo del film funzionasse era necessario anche giocare sulle variazioni di ritmo tra ogni sequenza. Siamo arrivati il primo giorno sapendo già tutto quello che avremmo fatto, anche se a volte siamo rimasti sorpresi durante le riprese!
Nella commedia, il montaggio è un passaggio particolarmente importante. Come è avvenuto?
Lo svantaggio di fare molta improvvisazione è finire con un sacco di fretta! E poiché non avevamo molti soldi, non potevamo permetterci di farlo in 18 mesi! Dovevamo trovare un equilibrio tra il testo che era scritto e questi piccoli momenti di vita che volevo introdurre. All’inizio del montaggio tutto è magico: mettiamo i momenti uno dopo l’altro e il film inizia a esistere! Solo che un giorno notiamo che dura due ore e quaranta! E non capiamo affatto dove tagliare! E non assomiglia a quello che immaginavamo! Allora lavoriamo, ripensiamo certi momenti, riscriviamo. Finché, diverse lunghe settimane dopo, il film finalmente appare e la magia si ripete. E questo è fantastico: ogni giorno è stato migliore del precedente. Perfezioniamo, specifichiamo. In effetti, puoi modificare e riavvolgere il film all’infinito. Fino al giorno in cui inizierai a fargli più male che bene. Devi essere estremamente ben circondato da persone che ne capiscono, altrimenti è rovinato. Grazie a Cyril Besnard e Monica Coleman per avermi aiutato.
Ci dici qualcosa sulle musiche?
È stato mio fratello Dov a comporle. Aveva già composto la musica per le mie opere teatrali. Abbiamo parlato molto della sceneggiatura. Gli ho chiesto di lavorarci in anticipo per avere in mente una certa musica durante le riprese. Gli ho mandato i copioni giornalieri per aiutarlo. Abbiamo provato tante strade diverse. Abbiamo iniziato con un tema molto electro, poi con le percussioni, per poi optare per il pianoforte che mi è sembrato più vicino allo stato d’animo del personaggio di Louis e alla malinconia del film, pur mantenendo alcuni passaggi electro per aggiungere tocchi di modernità.
Non mi piace, nei film, quando la musica è onnipresente e dice allo spettatore cosa pensare. Mi piace quando accompagna con discrezione. A volte ho usato la musica anche come elemento comico: tagliandola per supportare certe situazioni, ad esempio quando Louis cammina avanti e indietro nel corridoio del suo ufficio, dopo aver detto a Elsa che era malato mentre non lo era davvero. La musica qui mi permette di dire: sì, quello che sta succedendo è orribile, ma se cambi il punto di vista, ti rendi conto che può essere anche tutto molto divertente!
Proprio come nella vita.
